A cerca de cem metros a sudeste do novo Globe Theatre há um terreno baldio cercado por uma cerca de ferro corrugado marcada com uma placa de bronze como o local do Globe Theatre original de 1599. Um pouco mais perto do novo Globe, pode-se espiar através janelas sujas com fenda em um espaço mal iluminado no porão de um novo prédio comercial, próximo à London Bridge, onde cerca de dois terços das fundações do Elizabethan Rose Theatre mal podem ser vistos. Um pouco mais a oeste, o novo Globe surge no Bankside, afirmando conhecimento definitivo do teatro de William Shakespeare e merecendo elogios por fazê-lo; mas a dificuldade de ver os teatros anteriores nas sombras do passado representa melhor nossa compreensão da performance no teatro de Shakespeare.
Estilo de atuação - realista ou melodramático - configurações de palco, adereços e maquinários, esgrima, figurinos, a velocidade com que as falas foram entregues, duração da performance, entradas e saídas, meninos interpretando papéis femininos e outros detalhes de performance permanecem problemáticos. Mesmo o público - turbulento, de classe média ou intelectual - é difícil de ver com clareza. Os estudiosos determinaram algo sobre a mise-en-scène, mas não o suficiente e, enquanto os historiadores continuam suas pesquisas meticulosas, o melhor sentido geral de Shakespeare em seu teatro ainda vem das pequenas peças dentro de suas peças que, ao longo dos séculos, ainda dê-nos um pouco da sensação de atuação no teatro elisabetano.
A peça interna aparece com frequência nas primeiras peças A Megera Domada , Perdidos do Trabalho do Amor e Sonho de Uma Noite de Verão . A Megera Domada, por exemplo, é um tour de force teatral, consistindo em peças ambientadas em peças e atores assistindo outros atores atuando, aparentemente estendendo-se ao infinito. Todo o mundo é palco em Pádua, onde o teatro é a verdadeira imagem da vida. No jogo de quadro mais externo, o funileiro bêbado Christopher Sly é retirado da lama por um senhor rico e transportado para sua casa. Um pequeno fingimento é arranjado, puramente por diversão, e quando Sly acorda, ele se encontra em um ambiente rico, tratado como um nobre, obedecido em todos os desejos e servido por uma bela esposa. Nesse ponto, aparecem jogadores profissionais, para proporcionar entretenimento. Eles são calorosamente recebidos e alimentados, e então eles encenam uma peça para Sly sobre como domesticar Kate, a megera.
Shakespeare registra os problemas do jogo e do público com mais detalhes em Sonho de uma noite de verão . Nenhum jogador poderia estar mais desesperado do que Nick Bottom, o tecelão, e seus amigos amadores, que, na esperança de ganhar uma pequena pensão, realizam o jogo interno, Pyramus e Thisbe, para celebrar o casamento triplo do duque Teseu e dois de seus cortesãos. A companhia de Bottom é tão literal a ponto de exigir que a lua realmente brilhe, que a parede através da qual Píramo e Tisbe falam esteja solidamente lá, e que o ator que interpreta o leão assegure às senhoras na platéia que ele é apenas um modelo acredita leão. A literalidade que está por trás de tal concepção materialista do teatro está em desacordo com o drama poético de Shakespeare, que criou grande parte de sua ilusão com palavras, trajes ricos e alguns adereços. Em outros aspectos também, o discurso trôpego dos atores, pistas perdidas, palavras e falas mal pronunciadas, vontade de conversar diretamente com o público, versos incômodos e inépcia geral constituem o pesadelo de um dramaturgo de ilusão dramática transformada em absurdo.
O público cortês em Pyramus e Thisbe é socialmente superior aos atores, mas um pouco mais sofisticado sobre o que faz uma peça funcionar. O duque entende que, embora esta peça possa ser, como diz seu prometido Hipólita, “a coisa mais tola” que ele já ouviu, está ao alcance de um público cortês melhorá-la, pois os melhores atores “são apenas sombras; e os piores não são piores, se a imaginação os corrigir. ” Mas os nobres na plateia têm pouca imaginação de público necessária. Eles zombam dos atores e falam alto entre si durante a apresentação. Eles têm uma mentalidade tão literal a seu modo quanto os atores e, como se não soubessem que também são atores sentados em um palco, riem das coisas irreais e triviais que todas as peças e atores são.
A necessidade de "performance simbólica", que é indiretamente defendida nessas primeiras peças por mostrar um oposto muito realista, é explicada e diretamente desculpada em Henrique V , escrito por volta de 1599, onde um Coro fala pelo "autor dobrador" e seu atores que “forçam uma peça” no “andaime indigno”, o palco do “O de madeira” do Globe. Aqui, "o tempo, ... os números e o devido curso das coisas, / ... não podem em sua vida imensa e adequada / Ser ... apresentados" por jogadores e um dramaturgo que inevitavelmente deve "em pouco espaço [confinar] homens poderosos".
Em Hamlet ( c. 1599–1601), Shakespeare oferece sua imagem mais detalhada de performance teatral. Aqui, uma trupe de repertório profissional, semelhante aos homens de Chamberlain de Shakespeare, chega a Elsinore e executa O assassinato de Gonzagoperante o tribunal dinamarquês. Assim que chegam ao palácio dinamarquês, os jogadores são criados, e seu baixo status social determina o tratamento dado pelo conselheiro do rei, Polônio; mas Hamlet os saúda calorosamente: “De nada, mestres; bem-vindos todos. Estou feliz em ver você bem. Bem-vindos, bons amigos. ” Ele brinca familiarmente com o garoto que faz papéis femininos sobre o aprofundamento de sua voz, o que acabará com sua habilidade de interpretar esses papéis, e faz um tweet para um dos jogadores mais jovens sobre sua nova barba: “Ó, velho amigo! Ora, seu rosto está marcado desde a última vez que te vi. Você vem me enfrentar na Dinamarca? " Hamlet é um aficionado por teatro, como um dos jovens lordes ou advogados das Inns of Court que se sentavam no palco ou nos camarotes acima do palco nos teatros de Londres e comentavam em alto e bom som sobre a ação.Como eles também, ele conhece os mais recentes padrões estéticos neoclássicos e despreza o que considera a crueza do teatro popular: seus trágicos trágicos, estilos de atuação melodramáticos, partes "para rasgar um gato", versos vazios bombásticos, "shows idiotas inexplicáveis, ”Palhaços vulgares que improvisam demais, e o grosseiro público de“ rastejantes ”que assistem à peça da arena. O príncipe tem uma visão elevada de atuação - "Adapte a ação à palavra, a palavra à ação, ... o'erstep não a modéstia da natureza" - e da construção da brincadeira - "bem digerido nas cenas, estabelecido com tanto modéstia como astúcia. ””Palhaços vulgares que improvisam demais, e o grosseiro público de“ rastejantes ”que assistem à peça da arena. O príncipe tem uma visão elevada de atuação - "Adapte a ação à palavra, a palavra à ação, ... o'erstep não a modéstia da natureza" - e da construção da brincadeira - "bem digerido nas cenas, estabelecido com tanto modéstia como astúcia. ””Palhaços vulgares que improvisam demais, e o grosseiro público de“ rastejantes ”que assistem à peça da arena. O príncipe tem uma visão elevada de atuação - "Adapte a ação à palavra, a palavra à ação, ... o'erstep não a modéstia da natureza" - e da construção da brincadeira - "bem digerido nas cenas, estabelecido com tanto modéstia como astúcia. ”
Os jogadores falham em atender aos padrões neoclássicos de Hamlet tanto em seu estilo de atuação quanto em suas jogadas. O Assassinato de Gonzago é uma tragédia antiquada, retórica, bombástica, estruturada como uma peça de moral, começando com um show mudo e repleto de discursos formais rígidos. Mas a peça "se mantém como um espelho da natureza, para mostrar a virtude de seu traço, desprezar sua própria imagem e a própria idade e corpo da época, sua forma e pressão". O assassinato de Gonzago , com toda a sua crueza artística, revela a doença oculta da Dinamarca, o assassinato do velho rei por seu irmão.
Mas o efeito sobre o público dessa verdade teatral não é o que Hamlet ou Shakespeare poderiam esperar. Gertrude não consegue ver, ou ignora, o espelho de sua própria infidelidade que a rainha do jogador lhe dirige: “A senhora protesta demais, creio eu”. Claudius, percebendo que seu crime é conhecido, imediatamente planeja assassinar Hamlet. Até o crítico Hamlet é um público ruim. Durante a performance, ele faz comentários em voz alta para outros membros da platéia, isca os atores, critica a peça e perde seu ponto principal sobre a necessidade de aceitar as imperfeições do mundo e de si mesmo.
O desempenho nessas peças internas é sempre insatisfatório em algum aspecto, e o público deve, em grande parte, ler as próprias visões de Shakespeare sobre questões teatrais ao contrário desses estágios de espelho. Apenas perto do final de sua carreira Shakespeare apresenta um teatro idealizado de ilusão absoluta, atores perfeitos e um público receptivo. Na tempestade ( c.1611), Próspero, vivendo em uma misteriosa ilha oceânica, é um mágico cuja arte consiste em encenar ilusões redentoras: tempestade e naufrágio, um banquete alegórico, "brincadeiras vivas", uma mascarada de casamento, quadros morais, canções misteriosas e cenários emblemáticos . Todos esses “dramaturgos” têm, pela primeira vez, o efeito desejado na maioria de suas audiências, levando-os a admitir crimes anteriores, arrependimento e perdão. Em Ariel, o espírito de fantasia e brincadeira, e sua “ralé” de “companheiros mais mesquinhos”, o dramaturgo finalmente encontra atores perfeitos que executam seus comandos com a rapidez da luz, tomando qualquer forma desejada em um instante. A maior peça de Prospero é sua “mascarada de Juno e Ceres”, que ele encena como uma celebração de noivado de sua filha e do príncipe Ferdinand. A máscara fala aos jovens amantes da infinita variedade, energia,e fecundidade do mundo e lhes assegura que essas coisas serão suas para desfrutar em seu casamento.
Mas as velhas dúvidas de Shakespeare sobre peças, teatros, jogadores e público ainda não foram silenciadas. A máscara de Próspero é interrompida por uma multidão de desordeiros bêbados e ele, como um poeta medieval escrevendo seu palinódio, abjura sua "magia bruta", quebra e enterra seu cajado e afoga seu livro "mais fundo do que o som jamais despencou". A grande mascarada é mencionada levianamente apenas como "alguma vaidade de minha arte" e, quando a performance termina, os atores e a peça, por mais extraordinários que possam ter sido por um momento, desaparecem para sempre, "derretidos no ar, no ar. ”
Olhar para o teatro elisabetano através das peças internas de Shakespeare é, como Polônio aconselha, "por vias indiretas descobrir as direções." Raramente para serem entendidas direito, essas peças internas, no entanto, revelam os aspectos da apresentação que regularmente atraíam a atenção de Shakespeare. Seus próprios atores profissionais provavelmente não eram tão rudes quanto os jogadores amadores de Bottom, nem suas peças, de forma alguma, tão antiquadas quanto O assassinato de Gonzago. E ele provavelmente nunca achou atores tão flexíveis e complacentes como Ariel e sua companhia de espíritos. Mas, ao retratar seus jogadores, seu palco e seu público ironicamente, ele sempre retorna aos mesmos problemas de desempenho. Os jogadores têm um desempenho ruim? Quão realista é o cenário do palco? O público ouve e vê a peça com o espírito imaginativo correto e isso os leva a algum tipo de reforma moral? A peça é montada de maneira eficaz? Às vezes, o poeta pede desculpas pela necessidade de ilusão em seu palco nu, como faz o Coro em Henrique V ; às vezes ele ri do realismo excessivo, como em Píramo e Tisbe; às vezes ele lamenta a transitoriedade da ilusão teatral como Próspero; e às vezes ele zomba de seu público por não conseguir entrar na realidade artificial da imaginação criativa. Mas todos os seus comentários indiretos sobre a performance em seu teatro mostram uma performance relativamente rude e limitada no palco real contrastada com os poderes da imaginação, nas palavras do dramaturgo e na recepção do público, para criar compreensão e regeneração moral através da ilusão.
